黑白純粹主義美學在2018年再度席卷而來，在時裝、潮流、藝術、音樂、科技等領域，大量基于極簡主義黑白美學作品出現(xiàn)。是不是我們的生活太過“精彩”了，所以看似無聊的經典審美又成為了趨勢？今天我們就來用一個特別的視角，來了解一下這股叛逆于社交網(wǎng)絡和濾鏡強迫癥時代下的黑白浪潮。
黑 白Black and white
回歸原始 找回本真。純粹又豐富，乃萬色之根本
黑色，代表神秘、氣勢、嚴肅、永恒的沉默，所以象征著低調和品味。著名設計師Christian Dior曾這樣說過：“模特可以在任何時候都穿著黑色，不需在意年齡，也不論任何場合?！?/span>
白色，代表神圣，純潔、樸素、無盡的可能。所以身著白色時裝給人帶來自信、優(yōu)雅的形象。夏天的白色更是讓你感覺清爽，又有摩登感，是所有人不可或缺的。
Coco Chanel曾說White is classic whileblack is always indispensable“黑色包容一切，白色亦然。在舞會上，身穿黑色或白色的女子永遠都是焦點”
黑白線條 | 永不消逝的時裝主題
談到以線條、幾何圖形和黑白兩色這樣古典美術方式創(chuàng)作時裝的設計師，人們一定會想到很多名字——西方有Chanel和Giorgio Armani這樣的殿堂級品牌，而在東方則有否極泰來的山本耀司，不過如果僅僅以創(chuàng)造美學系統(tǒng)而把黑白二元化，人們一定會在腦中勾繪出一個特別的場景——遠處，如同裸眼立體畫一般的形象向你走來，這就是Gareth Pugh。
Gareth Pugh，一位新時代天才設計師，每個走入他的視覺迷宮的人，都會深深陷入進去
如今已經不再是深受媒體和前衛(wèi)時裝人追捧的Gareth Pugh的黃金年代了，盡管他在今年2月剛剛發(fā)布的全新秋冬系列以暗黑和大廓形收獲了不少好評，但是人們對他的印象還是停留在他最開始出現(xiàn)的那幾年。
2006年，當Gareth Pugh發(fā)布了他的第一季成衣作品時，人們被他玩弄視覺藝術的作品震驚了，這個系列只用了黑白兩個顏色和簡單的幾何圖形，就創(chuàng)造了一個如此豐富的視覺。那個時候，Gareth Pugh還沒有自己的工作室，他一個人，沒有資金，沒有助手，完成了自己前衛(wèi)時裝語言的探索開端。
歐普藝術的視覺形式加上PVC、塑料、乳膠等新材料的組合，構成了近期Gareth Pugh的設計重點
幫助Gareth Pugh凸顯黑白格紋的，是他所創(chuàng)作的具有挑戰(zhàn)性的廓形，在這些前衛(wèi)的結構下，實際上是他構建的視覺藝術游戲。早在上世紀中葉，就有不少藝術家發(fā)現(xiàn)了這個秘密，通過黑白對比與幾何圖形的交錯，可以創(chuàng)造出超越單色的視覺效果。當年的歐普藝術（Op Art）在今天仍被應用到諸多領域，而時裝設計就是其中重要的一環(huán)。Gareth Pugh說：“有時候我討厭自己的想象力，因為只要我想了什么鬼主意，就會迫使自己去做出來?！?/span>
直到今天，黑白對色的經典視覺語言仍然不乏繼承人——Balmain的2018年春夏系列結合了印刷設計語言，通過黑白雙色創(chuàng)造了一個極多主義（Maximalism）的當代經典審美范本；而Junya Watanabe則繼續(xù)了他多年的黑白實驗，同樣通過歐普藝術的方式，用黑白兩色創(chuàng)造了花樣繁復的印花；Haider Ackermann也在這一季玩起了古典主義的黑白對撞，他的方法是干脆進行二元對撞，充滿了戲劇性。
時裝在今天成為了最被關注的審美舞臺，而人們卻不太在意它來自何處
無論是將黑白歐普藝術吃透了的Gareth Pugh，還是眾多依舊在當下進行探索的設計師們，他們的審美源頭都來自一群更有想象力的藝術家，而這正是人們對于視覺與生俱來的追求，因為黑白兩色不僅僅影響了我們的視覺，還在聽覺、觸覺上改變著我們對于藝術的理解。
黑白雙色帶來的視覺奇觀究竟是如何來的呢？
歐普藝術 | 從古典到當代進階
歐普藝術產生于法國1960年代，這是一種在前計算機時代進行設計的視覺藝術。當年的藝術家們通過明亮的色彩、具有欺騙性的幾何圖形創(chuàng)造出“視覺錯覺”，讓人們在觀看時達到眼球的“視覺高潮”，由于我們的雙眼無法判斷這些客觀具體的圖形，所以大腦也就被戲耍了。還記得小時候看過的三維立體畫嗎？差點不多就是這個意思。不過當歐普藝術成為一種藝術形式之后，這個游戲就變得更加有趣了。
歐普藝術運動中的代表人物Bridget Riley
1965年的時候，紐約MoMA舉辦了一場題為《反應之眼》（The Responsive Eye）的展覽，其中陳列出大量經過精心設計、按一定規(guī)律排列而成的波紋或幾何形繪畫, 這些作品給參觀者以強烈的視覺刺激，達到了震撼人心的藝術效果。
從Victor Vasarely到Bridget Riley，在數(shù)學與繪畫高度結合的年代，人們?yōu)檫@樣的視覺奇觀感到震驚，不過隨之而來的則是動畫和視頻藝術的崛起，人們開始不再對靜態(tài)的視覺充滿好奇了，那些可以移動的畫面更加刺激人們的眼球。恰逢1960年代的迷幻藝術（Psychedelic Art）浪潮的短促興衰，似乎屬于歐普藝術的黃金年代就這樣過去了。
1965年MoMA舉辦的《反應之眼》展覽現(xiàn)場
就在MoMA舉辦《反應之眼》的這一年，在東德的卡爾·馬克思市，有一個日后成為著名電子音樂人，同時也是藝術家的孩子出生了，這就是代號為Alva Noto的Carsten Nicolai。Alva Noto最為人熟知的是他的音樂與視頻結合的作品，他在自己的唱片公司Raster-Noton所出版的一系列作品中將極簡主義發(fā)揮到了極致。而現(xiàn)場演出的Alva Noto則使用一種特別的方式展示屬于他這個時代對于視覺、聽覺的幻想。
Carsten Nicola和坂本龍一的合作計劃——Alva Noto + Ryuichi Sakamoto
Carsten Nicolai所預言的未來由于科技的進階，可以在家中享受由聽覺和視覺構成的跳動體驗，便是下一個潮流，而就在中國，我們也看到了這樣有趣的嘗試。
有機會一定要在這個空間里感受下——人造的黑白宇宙是怎樣的
項目為原創(chuàng)時尚設計師買手集合店中全新的餐飲業(yè)態(tài)；餐廳空間設計既要延續(xù)及強調買手店的時尚屬性，又需要提供主力消費群體所要求的獨特就餐體驗。
我們從時裝設計大師對黑與白及點線面的偏愛中獲取靈感，打造先鋒、極簡、有格調，同時又不失趣味的餐飲空間。
餐廳狹長的外立面被黑色輪廓線清晰劃分，大招牌以光柵立體畫的形式呈現(xiàn)“門”的開合動態(tài)變化，與品牌名稱“一尚門”相呼應。
黑白色塊間的利落分界完成了對空間的分區(qū)；白色空間中穿插著黑色的點線元素作為點綴：球形吊燈、整齊排布的吊線，純白墻面上黑色細鐵絲被彎成了有趣的時尚格言文本。
同時，黑色折面的運用強化結構感，白色的網(wǎng)格狀吧臺椅及餐桌則同樣為黑色背景織入線與面的元素
拐角區(qū)域的裝置成為嚴謹空間中的個性隱喻：大大小小的球體漂浮著從門縫中涌出，令四周的規(guī)整空間發(fā)生扭曲形變，同時又逐漸融入墻面的黑白色方格；以此探討個體與環(huán)境的辯證關系。
而門的背后藏匿著黑白表像之下的平行世界；作為食材主角的雞蛋仿佛蘊含著無窮能量，上演了一場精心謀劃的出逃。
裝置作為視覺點與記憶點，吸引消費者在美食果腹之余，在自發(fā)地探索與發(fā)現(xiàn)的過程中與空間產生互動，感受荒誕卻治愈的意外驚喜。
最后：不要錯過這8位黑白藝術大師-----
電影｜馬修·卡索維茨《怒火青春》1995年
黑白電影有太多經典，這次選擇的并不是黑白電影時代的作品，而是1995年馬修·卡索維茨拍下的《怒火青春》（La Haine），原因則是影片中那些對于青少年生活的刻畫——運動服、街道、汽車。這幾年出色的黑白電影每年都會出現(xiàn)幾部，剛剛看過《大佛普拉斯》的你是不是也想多找來一些看看？
漫畫｜伊藤潤二《漩渦》1998-1999年
從漫畫中尋找體現(xiàn)黑白視覺系統(tǒng)的出色作品太難，因為大部分日本漫畫都是傳統(tǒng)的單色，不過伊藤潤二《漩渦》則有很多線索，尤其是對“漩渦”本身的刻畫，充滿了歐普藝術帶來另外一種副產品的可能性，那就是——恐怖。
攝影｜S?lve Sundsb?
來自挪威的攝影師S?lve Sundsb?以拍攝光影主題的作品為人熟知，原本注重于展示服裝的時裝攝影，在他的鏡頭之下，變身成為了另外的形態(tài)，那些投影到模特身體上的黑白幾何圖形投影就在這樣的轉化下，變成了一種不可觸摸的布料。
戲?。た咸乩锲?/span>
來自南非的藝術家威廉·肯特里奇（William Kentridge）十分擅長用炭筆素描創(chuàng)作的政治題材繪畫，但殊不知他也是一位劇場行動派。在設計劇場之外，肯特里奇也把戲劇搬到了他的工作臺上。他用黑白紙板創(chuàng)作了一個微型舞臺，通過投影、逐格拍攝等形式進行創(chuàng)作，在他的黑白世界中，是一個非常奇妙的小世界。
裝置｜丹尼爾·布倫《雙平臺》1985-1986年
法國藝術家丹尼爾·布倫（Daniel Buren）在全世界創(chuàng)作了不少公共空間的裝置作品，其中位于巴黎小皇宮的作品《雙平臺》（Les Deux Plateaux）最為出名?！峨p平臺》是一組黑白條形的圓柱形大理石雕塑，現(xiàn)在它們被人們親切地稱為“布倫柱”，260個高矮不一的圓柱，規(guī)則地散布在榮譽庭的空地上，形成了一種特別的視覺之景。
設計｜Armin Hofmann
設計師Armin Hofmann是享譽世界的瑞士風格的代表人物，他的平面設計作品充滿了個人標簽，首先就是一直被他運用的黑白雙色。作為設計教授的Armin Hofmann認為設計是需要進行圖像與內容的溝通，所以那些被他自由縮放、巧妙結合字體空間進行變化的平面設計作品，成為了一個時代的經典。
音樂｜Joy Division《Unknown Pleasures》1979年
這張由著名設計師Peter Saville為Joy Division設計的封面，取材自一張歷史照片，這是人類發(fā)現(xiàn)的第一顆脈沖星CP 1919的脈沖信號，周期1.377秒。這個圖形最后也成為搖滾樂歷史上的經典，準確地反映了Joy Division音樂中令人癡醉的陰暗、憂郁、病態(tài)之美。
建筑｜Zaha Hadid《巴赫室內音樂廳》2009年
為了一個專門演奏巴赫鋼琴作品獨奏的空間，Zaha Hadid在2009年為曼徹斯特國際藝術節(jié)創(chuàng)作了一個音樂廳，這是一個黑白兩色的建筑，白色的主體建筑使用了Zaha Hadid最為人熟知的生物體的構造，音樂廳的座椅則來自Zaha Hadid的家居產品系列。這個黑白兩色的臨時建筑體通過顏色和巴赫的音樂進行了關聯(lián)，可惜我們再也無法在未來看到來自這位女建筑師的作品了。
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